展場也布置得一進一進的，花景醉目，旖妮蕩漾，觀眾化身成歐洲貴族，穿梭目眩神迷的畫作之間，因為太細膩太瑰麗，即使初次接觸維也納往昔藝術的觀眾也都屏氣凝神，在人群中尋覓與自身對應的花繪。
經過七日造物後，祂看所造之物自己甚為滿意。祂起初所造的植物竟然只有裸子植物，任它們揚起翅膀，把種子散布到各角落拔起茁壯。祂何以又在兩億兩千萬年之後，突然發現世界少了繁麗色彩，大手一揮，點植見花，將近30萬種的開花植物於焉問世，繽紛了眼前。無神論者或演化論者的故事可能是另一番詮釋，不論如何，花撲滿已滿溢，滿了人類的眼目，鼓譟著詩人文人匠人與畫師無法不頌咏無邊無際的花姿花色。
尤其在經歷了1492年哥倫布航行後，歐亞非等舊世界與美洲的新世界之間的動植物、微生物、文化和人口的大交換後，帶來文明的巨變，首先在眼目上被點亮開啟的莫不是歐洲諸國的皇室貴族，宮廷御苑的主邊角盡是繁複盛麗的花卉鮮果。繁花碩果的生機逃離不了時間的網羅，稍縱即凋，留不住的生息交由畫師以栩栩之筆，將剎那定格成永恆。若能躲過一戰、二戰的兵燹，後世即可幸運地一睹其妍顏。
工匠所仿效製作的人造花，永遠差鮮花一著
20世紀末90年代的台灣，相繼舉辦幾個轟動的印象畫派大展，包括：1993年的《十九世紀末期中西畫風之感通——莫內在故宮》大展、1997年的「黃金印象：奧賽美術館特展」、1998年的《畢卡索的世界》大展以及甫經歷過921地震的1999年底登場的《世紀風華──法國橘園美術館珍藏展》等，無不是萬人空巷、看不到隊伍尾巴的展覽，因而培養出為數可觀的法國印象畫派觀賞人口。從其中，台灣觀眾認識了印象畫派、野獸派、立體派甚或難以歸類到哪一種畫派的多元面貌；也對莫內、塞尚、馬諦斯、梵谷、高更、畢卡索、莫迪里亞尼等藝術家耳熟能詳。其後，凡是印象畫派的大展，在台灣始終見人龍大排的擁躉，迄今未衰；相較於台灣觀眾對法國印象畫派的熟悉度，則對發展比法國稍晚個20年的奧地利維也納藝術發展過程及藝術家陌生許多。
此次，國立歷史博物館與維也納美景宮（Belvedere, Wien）、時藝多媒體合作主辦的《綻放》展以維也納美景宮的百年花繪為主題，花卉之美，幾乎罕見人不愛，尤其根據調查顯示，台灣藝術欣賞人口的性別比顯示女性參與度普遍較高（臺北市文化局《臺北市藝文館所參觀性別比率統計專題分析》，2015），而女性對於花繪主題的接受度或許也偏高。
花卉是植物的生殖器官，為招徠蟲媒幫忙授粉，使盡渾身解數，甚至因地因時演化，其變化萬千與色彩複雜豐麗，工匠再如何仿效製作的人造花，永遠差鮮花一著。然而技藝卓越的藝術家卻能透過畫筆畫布，讓花妍維妙維肖，宛然若生。
穿過生物地理界線，見奇花度過重洋的軌跡
15到17世紀的大航海時代，正處於自1273年起即實質掌控奧地利的哈布斯堡王朝時期，雖非直接參與海外殖民，卻藉由「有女兒就有王國」的聯姻政策，藉由血緣互通，影響力擴張至匈牙利、西班牙、波希米亞等地，成為神聖羅馬帝國的核心力量。1804年神聖羅馬帝國解體後，奧地利帝國成立，1815年維也納會議確認其歐洲強權地位，蔚為中歐霸權，經歷帝國興衰，直至現代中立國家的形成。這期間文治武功鼎盛，孕育了奧地利，尤其是維也納的藝術產業的發達。動、植物歷經大航海時代之後的大交換，成為王公貴族的收藏品，甚至是禁臠，愈珍稀的，愈要想方設法收集到手，展示在私家園邸中。尤其是罕見的花卉，更是穿過生物地理的界線，其度過重洋的軌跡，在《綻放》展中的一張張畫裡透露出訊息。
《綻放》展覽橫跨200年間的歐洲藝術時期，華貴的巴洛克、抒情的浪漫主義、華貴的美好年代，迄印象派的光影流淌、維也納分離派的對抗革新，最終邁向現代主義。展場也布置得一進一進的，花景醉目，旖妮蕩漾，觀眾化身成歐洲貴族，穿梭目眩神迷的畫作之間，因為太細膩太瑰麗，即使初次接觸維也納往昔藝術的觀眾也都屏氣凝神，在人群中尋覓與自身對應的花繪。
在歐洲數千年文明裡，處處可見對花卉的鍾愛，無論是建築、壁畫、金銀銅陶器皿，花無所不在，而承載花繪的羅馬壁畫、荷蘭靜物，迄18世紀傳進幀處於盛世的維也納，發展出雍容難掩的獨特氣韻。當時，花海攀向維也納的工藝產業，瓷器工坊專門培養花卉畫師，美術學院更單獨開設花卉課程；加上大航海時代所掀起的博物學浪潮，植物學研究正方興未艾，花卉不只是美麗的創作題材，更與科學結合，科學植物繪因運而生，使藝術不只是單一層的文化意涵。
鬱金香透露出哈布斯王朝的勢力
哈布斯王朝權傾一時，宮廷裝飾主題偏好花繪，特別傾心於曾在羅馬習畫的法蘭茲．維爾納．塔姆(Franz Werner Tamm)的花繪藝術，多次委託他繪作花與靜物、小動物。《花卉、兔子與果實靜物》一作，玫瑰花、黑種草、月季、紅醋栗、杏桃等花果與白兔並陳，黢黑似墨的背景，烘托出白兔與白玫瑰若佇立在聚光燈下，明暗對比分明，兔子的毛毫、睫毛、鬍鬚、前爪、眼睛宛如寫真，花瓣、葉脈、果皮的肌理靈動，畫面還安排落花，更顯生趣。另一張尺寸較大的《花卉靜物》益顯華麗破框，剖開的瓜露出籽與杏紅色果肉，散落桌上的蜜棗、蜜桃與旋花屬藍花、玫瑰、康乃馨、百合等花盛裝在高腳裸女的花器中，暗部也見殘花，這種任意將食物擱置在桌上的狀態非富即貴，可以想見只要掛上牆，必定是具誇富作用的視覺焦點。塔姆以花卉靜物畫深得哈布斯王朝垂青，將榮華富貴留存於畫布，使瞬間定格成永恆。
接續巴洛克時期的畢德麥雅時期，正值浪漫主義盛行，繁麗寫實的花繪需求更大，約翰．巴提斯特．德雷克斯勒(John Baptist Drechsler)從維也納皇家瓷器廠歷練10年，極其精準地堆疊多層次的花飾擺設，因而被任命為維也納美術學校附設商業繪圖學校的首任花繪教授。
德雷克斯勒的《大型花卉靜物與鳥》作品，不再只侷限於室內的靜物描繪，更與戶外藍天映照下的鳥禽融為一體，甚至可在右下角草叢裡窺見一鳥巢中的幾顆蛋。這張畫高明之處在於暗部的葡萄其受光面系來自於紅銅花器的反光，光線聚焦在重疊的玫瑰、康乃馨、松蟲草、旋花屬、洋水仙以及鬱金香，尤其是鬱金香透露出哈布斯王朝的勢力。多數野生鬱金香都起源於中亞的天山山脈及其周邊地區，該地區被認為是鬱金香多樣性的中心。而1554年外交官奧吉爾∙吉斯蘭∙德∙布斯貝克（Ogier Ghislain de Busbecq），被派往鄂圖曼帝國（今土耳其）擔任哈布斯堡王朝的大使，當他前往安納托利亞旅行時，觀察到被當地人稱為「tulipan」（土耳其語「頭巾」，因花形相似）的美麗花朵。 他把鬱金香球莖和種子送回維也納的帝國花園。鬱金香出現在這張畫裡，佐證了哈布王朝的勢力無遠弗屆，其後甚至引起瘋狂「鬱金香熱」（Tulip Mania）。
審美觀從宮闈走向常民 藝術不再只為富人服務
身為維也納美術學校附設商業繪圖學校的花繪教授，德雷克斯勒確實也培養出幾位傑出弟子，包括法蘭茲．薩維爾．佩特(Franz Xaver Petter)、約瑟夫．尼格(Joseph Nigg)、約翰．納普(John Knapp)，佩特承繼教職，於美術學院培育眾多傑出的花繪畫家，他甚至私淑還無法進入學院就學的女學生，讓被當時社會排拒在美術科班教育的女性有機會發揮天賦，包括寶琳．馮．庫德爾卡－施馬林，其作品《骨董花瓶裡的花束》如同一位花藝精湛的插花家，讓一只小小的金屬花器開展出飽滿的花束，尺度雖小卻相當出色。而師承佩特一脈相承的約瑟夫．舒斯特的愛麗絲．瓦特儘管平資料有限，但她的《春日花卉》一作以瓦罐、竹簍在一張目桌上堆滿黃花、粉菊花、白花以及野麥草等，右上方露出的一角的綠色窗櫺，色彩雖不及其師舒斯特的《高山花卉》多樣，整張構圖與顏色相當輕靈，也不遑多讓。
從《綻放》展也可窺見奧地利在19世紀上半葉，民間已開始富裕起來，市民富商與中產階級崛起，藝術不再是宮廷禁臠，也從富麗堂皇的審美走向常民，在素樸中建立起更耐尋味的美學觀。費迪南德．格奧爾格．瓦爾德米勒賦予耽美的室內靜物更多生命力，邁向林野田園，觀察自然的生命，早年曾受教於佩特的寶琳．馮．庫德爾卡－施馬林，亦承繼了瓦爾德米勒精準的構圖與澀感，運用柔煦的光使其作品詩意盎然。
特別值得一提的是安東．羅馬科的《採玫瑰者》以及費迪南德．格奧爾格．瓦爾德米勒的《編花圈的女孩》，是畫家著手以相對貧困的人物為主角，透過關懷的視角，藝術不再只是為富人服務。《採玫瑰者》對準一位正在剪玫瑰花的少女，她的衣衫襤褸，眼眶四周滿布紫青，左眉間見瘀青，採玫瑰的右手青筋暴露，執著剪刀的左手臂則見一道長且深的傷痕，玫瑰多刺，可是受市場青睞，她在採摘玫瑰過程中傷痕累累，卻可能是她賴以維生之物。《編花圈的女孩》也是身著穿了不能再穿的舊衣，裙畔盡是長期拖地的陳年髒汙，赤裸雙足編織著花環，身後隱約見兩個小男孩，可能是其兄弟。同樣是瓦爾德米勒之作的《窮人的祝福》，圖右方是三位衣著光鮮亮麗的富家女子，左方則是穿著粗布衣裳有老有少有男有女，甚至還懷抱一個嬰孩，他們帶著微薄禮物，而富家女子則掏出貴重物品準備回贈，望似打破階級的藩籬，罕見於那時代。
從寫實奔向以光影閃耀的自然詩篇
在奧地利印象主義先驅埃米爾．雅布．辛德勒(Emil Jakob Schindler)領航下，19世紀末的維也納從寫實奔向以光影閃耀的自然詩篇，晃動移轉的光影使每張畫作充滿詩性，特奧多爾．馮．霍爾曼的《罌粟花間的少女》，距離少女幾步之遠還有個幼童席地而坐，遠處視角是重重梯田，有人在其間耕作，竟讓我想起郭雪湖的《圓山附近》。而歐嘉．威辛格－弗洛里安(Olga Wisinger-Florian)被認為是19世紀最具代表性的女性藝術家，她的花卉風景，站在她那幅《盛開的罌粟花》之前，彷若風穿越罌粟花間，拂面而來，心中的一切憂慮在那刻卸下了。
另外幾張小畫，也有歐嘉作品與人的感受，如特奧多爾．馮．霍爾曼(Theodor von Hormann)的《茲諾伊莫的紅豆草原》系列，紅豆草可能是綠肥作物，在小麥或大麥收割後，用以培磷肥，田邊界佇立一座釘在十字架上的耶穌，好似幫農家持守看顧那美好產業的作用，信仰與土地融而為一。另一張同系列小作，置中彎曲田路兩旁的紅豆草田，遠遠的防風樹，視角與陳澄波的道路或電線桿置中不謀而合，彷彿托映出藝術家直觀純真的內心。
畫作不在大，素簡幾筆就能讓觀者產生共情，我個人非常喜歡新藝術運動的科羅曼．莫塞爾(Koloman Moser)的作品，包括《康乃馨》、《盛開的小樹》，在展場上，爍至炫目，他們似乎自遠古就在此安戶，縱使天地寂然，依然立定於此，及至亙古，無悔不朽。
花的瞬息燦爛，也被藝術家捕捉為永恆
而奧地利藝術發達，從事藝術創作者為數眾多，但台灣最熟知的莫過於以《吻》知名的古斯塔夫．克林姆特（Gustav Klimt, 1862-1918），即使此作已成奧地利國寶，只能典藏於美景宮，無法出國展覽，其金色馬賽克與萬千花朵裝飾滿畫面，迴繞著一對著金色長袍的男女戀人，女子以跪姿露出一雙白皙小腿承受著深吻，他們旁若無人地陷入金色宇宙中的畫作，早已複製無數，懸掛在世界各角落。克林姆特出身金匠家庭，藝壇常將他1898到1909年的創作歸為「黃金時期」，數量不多，但畫面的寓意繁複，加上與金色的搭配，讓他聲名鵲起，成為能在維也納藝壇呼風喚雨的要角，甚至與學院派叫陣，另立分離派。
克林姆特的扛鼎之作無法離開美景宮，其餘作品也不輕易放出奧國國門。《綻放》展為歷史博物館慶賀70年生日的大展，也是大疫之後的大展，館方希望仍能展出克林姆特畫作，以領銜群藝。史博館洪世佑館長特別致函美景宮館長，望其務必成全，因而得見其極少見的窄長直幅作品《雨後》。此畫成於1898年，與他同一年他所畫的分離派象徵的《雅典娜》，截然兩樣。克林姆特既偏好炫目璀璨的金黃色，也喜愛接觸自然，《雨後》角度若平視視角，全畫壟罩在大雨過後的迷濛霧氣裡，蔥綠草地綴著紅色小花，一群輪廓若月暈的白雞黑雞悠晃其間，刻意不將整株完全繪出的果樹成林，遠處低矮的天空藍帶灰光，點描的筆觸，傳遞出寧謐氛圍，此地若畫家寄情的桃花源。他完成此畫時也正好是全歐洲藝術走向現代性的關鍵時刻，褪下巴洛克時期色彩鮮亮的華麗風，看到藝術家的怡然自得。
至於早逝的埃貢．席勒(Egon Schiele)在短短28年間，掏挖性與死亡、青春與凋零，17歲與克林姆特相遇，就被克林姆特讚嘆為：「你實在太有才華了！」不世出的天才脫穎而成為奧地利表現主義的先驅，其作《向日葵I》，枯殘焦褐的向日葵與生機盎然的向日葵彼此交纏，似乎是向克林姆特的《吻》致意，愛之深切，能否生死與共或是終會在愛中迷航，而生命已經狂烈綻放過了，花的瞬息燦爛，也被藝術家捕捉為永恆了，花亦無憾了，終久潤物細無聲，滋潤代代賞藝者。(本文亦刊載於《藝術投資+設計》雜誌)
